20 traditions des anciens cinémas dont vous aviez oublié l’existence

Dans les années 1920, les nouveaux « palais du cinéma » américains, très en vogue, interdisaient la vente de pop-corn dans leurs locaux, craignant que ces miettes collantes ne salissent leurs moquettes et leurs tissus d’ameublement somptueux. Des vendeurs installaient alors des stands à l’extérieur, et les cinéphiles en faisaient parfois entrer en cachette. Lorsque la Grande Dépression a entraîné une forte baisse des ventes de billets, les exploitants de salles de cinéma ont commencé à installer des distributeurs automatiques de pop-corn dans leurs halls d’entrée, ce qui leur permettait d’appliquer une marge bénéficiaire de plus de 80 %. La seule collation qu’ils avaient tenté d’interdire a finalement permis de les maintenir à flot.

Afin de fidéliser son public entre la fin de l’année 1952 et le milieu de l’année 1954, Hollywood a produit plusieurs films en 3D projetés à l’aide de deux projecteurs synchronisés utilisant la lumière polarisée. L’un des plus grands succès de cet engouement pour la 3D fut « La Maison de cire » (House of Wax), produit par Warner Bros. en 1953 et mettant en vedette l’incomparable Vincent Price. Les spectateurs regardaient les films en portant des lunettes en carton dotées de verres polarisés gris. Des problèmes liés au matériel de projection, ainsi que la fatigue des spectateurs, mirent fin à cet engouement au bout d’environ deux ans.

Pendant la Grande Dépression, alors que le taux de chômage atteignait 25 % voire plus, les cinémas peinaient à trouver des moyens d’attirer les spectateurs lors des soirées en semaine, peu animées. Afin d’encourager la fréquentation, les exploitants de salles ont commencé à collaborer avec des fabricants de vaisselle en porcelaine, comme Salem China dans l’Ohio, pour proposer des « soirées vaisselle », au cours desquelles chaque femme achetant un billet recevait gratuitement une pièce de vaisselle en porcelaine. Si une femme continuait à se rendre chaque semaine au cinéma, elle finissait par recevoir suffisamment de vaisselle en porcelaine pour constituer un service complet de 32 à 52 pièces. Cette assiette offerte incitait le public à revenir.

À la fin des années 1930, on ne comptait qu’une douzaine de cinémas drive-in, quelques années seulement après l’invention de ce format. Mais les premiers drive-in étaient équipés de grandes tours de haut-parleurs installées à l’extérieur, qui dérangeaient souvent les voisins en raison de leur volume sonore. En 1941, le fabricant d’électronique RCA a annoncé la sortie d’un caisson de haut-parleur résistant aux intempéries que le conducteur pouvait décrocher d’un poteau, fixer sur le côté de la vitre de sa voiture et régler lui-même le volume. Cela a résolu le problème de nuisance sonore pour les voisins et a permis aux cinémas en plein air de se généraliser dans les banlieues américaines. En 1958, on comptait plus de 4 000 cinémas en plein air.

En 1931, Charles U. Yeager, un directeur de cinéma originaire du Colorado, a créé la « Bank Night » afin d’attirer dans les salles de cinéma, en semaine, un public lassé par la Grande Dépression. Les spectateurs signaient un registre dans le hall, puis un nom était tiré au sort sur scène. Si cette personne était présente, elle remportait un jackpot qui s’élevait initialement à environ 25 dollars. Le jackpot était reporté si personne ne le remportait. À son apogée, en 1936, plus de 5 000 cinémas participaient à la « Bank Night », bien que plusieurs tribunaux d’État aient par la suite contesté cette pratique au titre des lois sur les jeux d’argent.

Avant l’avènement du son synchronisé en 1927, de nombreux « palais du cinéma » étaient équipés de grands orgues conçus pour remplacer un orchestre de 50 musiciens. Le « Mighty Wurlitzer », un exemple célèbre, pouvait reproduire des sons tels que le sifflet d’un train ou le galop de chevaux grâce à sa panoplie d’effets mécaniques intégrés. Un organiste solitaire émergeait de la fosse d’orchestre pour en jouer à l’aide d’un ascenseur hydraulique. Même si les nouveaux « films parlants » rendirent l’accompagnement à l’orgue obsolète, des récitals continuèrent d’être donnés dans les salles de cinéma jusque dans les années 1950.

Dans les années 40 et 50, à l’époque du baby-boom aux États-Unis, les théâtres ont commencé à aménager des « salles pour bébés », généralement situées au fond de la salle ou sous un balcon, afin d’atténuer le bruit des bébés qui pleuraient. Ces salles étaient dotées d’une vitre et insonorisées, ce qui permettait aux parents d’assister au spectacle tout en apaisant leur enfant qui hurlait, sans déranger les autres spectateurs.

Dans les années 1950, la cigarette était omniprésente dans la vie des Américains, et les cinémas reflétaient cette habitude. Les grands palais du cinéma des années 1920 disposaient de salons fumeurs au sous-sol, équipés de fauteuils en cuir et de cheminées, et comportaient souvent des « loges fumeurs » dans les balcons, où une bonne partie des dossiers de siège étaient équipés de cendriers métalliques rabattables. Il était interdit aux spectateurs de fumer au rez-de-chaussée, car la fumée aurait brouillé l’image à l’écran.

Pendant plusieurs décennies, la plupart des cinémas fonctionnaient en continu : on n’avait donc jamais besoin d’arriver à l’heure de la séance. On pouvait entrer à n’importe quel moment, passer devant l’ouvreur, longer le couloir, trouver une place et commencer à regarder le film. Lorsque le film en arrivait à la scène où l’on était entré, on disait : « C’est là qu’on est arrivés », puis on partait. Il a fallu beaucoup de temps pour que le concept d’« heure de début » s’impose. Les choses ont commencé à changer lorsque le réalisateur Alfred Hitchcock a décidé que, pour son film « Psychose » sorti en 1960, il ne laisserait plus personne entrer dans la salle une fois la projection commencée. Pendant des années encore, les cinémas de seconde diffusion ont continué à fonctionner en projection en continu.

Dans les plus grands cinémas de centre-ville des années 1920 et 1930, ceux gérés par des exploitants de salles comme Samuel « Roxy » Rothafel, le film ne constituait qu’une partie de ce que l’on obtenait en achetant un billet. Au Roxy Theatre de New York, par exemple, les spectateurs avaient droit à un prologue d’une demi-heure en direct comprenant des ouvertures orchestrales, des airs d’opéra, des numéros d’acrobates et une troupe de danseuses appelée les Roxyettes (qui devint plus tard les Rockettes). Pour les cinéphiles issus de la classe ouvrière, le cinéma leur offrait un spectacle de Broadway en plus du film.

La « balle rebondissante » était une technique permettant au public de chanter en chœur, utilisée par Max et Dave Fleischer dans les dessins animés « Song Car-Tunes » créés aux studios Fleischer à partir de 1924. Ils faisaient rebondir une sphère lumineuse autour des paroles pendant une chanson, en synchronisation avec l’accompagnement de l’organiste de cinéma, afin que tous les spectateurs puissent chanter les paroles de « Shine On, Harvest Moon ». Max Fleischer a breveté ce dispositif en 1926, et celui-ci a continué à être utilisé dans les salles de cinéma tout au long des années 1930.

Avant la projection du film principal, des studios tels qu’Universal, Republic et Columbia diffusaient des séries en plusieurs épisodes comme « Flash Gordon » et « Zorro », divisées en 12 à 15 épisodes hebdomadaires d’une durée d’environ 15 à 20 minutes chacun. Chaque épisode s’achevait sur un moment décisif, une voiture en chute libre ou une explosion, d’où vient d’ailleurs le terme « cliffhanger ». Le public devait revenir la semaine suivante pour savoir si le héros s’en était sorti.

Avant l’apparition des journaux télévisés vers 1955, les actualités cinématographiques étaient omniprésentes. Les cinémas projetaient systématiquement des courts métrages d’actualités Pathé, Fox Movietone et Paramount avant chaque film. Le public y découvrait les horreurs de la Seconde Guerre mondiale, écoutait les discours présidentiels et assistait en direct à la catastrophe du Hindenburg en 1937. Les studios d’actualités ont continué à fonctionner pendant plusieurs années encore, même si leur audience ne cessait de diminuer.

Entre les années 1910 et 1950, les placeurs de cinéma ne se tenaient pas à l’entrée pour vous faire signe d’entrer. En réalité, ils circulaient dans la salle. Vêtus d’uniformes de style militaire à boutons en laiton et de gants blancs, ils guidaient les spectateurs vers leurs places à l’aide de lampes de poche, car les films étaient projetés en continu et les spectateurs entraient dans des salles obscures à toute heure. Les placeurs faisaient également taire les spectateurs bruyants, surveillaient le respect de l’interdiction de fumer et transmettaient même des messages téléphoniques urgents directement à la place d’un spectateur.

Entre deux changements de bobines dans les cinémas, des années 1900 aux années 1930, les projectionnistes projetaient des diapositives sur verre peintes, fournies par des sociétés spécialisées, afin de combler ce temps d’attente. Ces diapositives affichaient des règles de conduite, demandant aux femmes d’ôter leurs chapeaux à larges bords, décourageant le fait de cracher et de fumer, ainsi que des publicités pour des commerçants locaux et des avis de recherche d’enfants perdus. À l’époque où les bandes-annonces n’existaient pas encore, la diapositive sur verre était le moyen par lequel le cinéma communiquait avec son public.

À l’époque où les maisons n’étaient pas encore climatisées, la chaleur estivale était si accablante pour les commerces que les cinémas fermaient souvent leurs portes en juillet et en août. En 1922, lorsque le Rivoli Theatre de New York a installé un système de refroidissement mis au point par la Carrier Engineering Corporation, il a accroché à l’extérieur des pancartes sur lesquelles on pouvait lire « Il fait frais à l’intérieur », agrémentées de glaçons peints. Du jour au lendemain, le billet de cinéma à 25 cents est devenu un moyen d’échapper à la chaleur accablante de l’extérieur, et l’été s’est transformé en l’une des saisons les plus animées.

Pendant la Grande Dépression, les cinémas ont commencé à projeter un « film de série A » produit par un grand studio, accompagné d’un « film de série B » moins cher, souvent issu d’un studio à petit budget tel que Monogram Pictures. Avec les actualités cinématographiques et les dessins animés, le billet donnait droit à trois à quatre heures de divertissement. Ce système, appelé « double programme », est devenu la norme pour aller au cinéma en Amérique du Nord jusqu’aux années 1950.

En échange d’une pièce de 5 ou de 10 cents, les enfants, des années 1920 aux années 1950, affluaient dans les cinémas les samedis après-midi pour assister à des séances organisées par les cinémas eux-mêmes : deux longs métrages, généralement des westerns ou des films d’action, accompagnés de dessins animés, d’actualités cinématographiques et d’un nouvel épisode d’une série. Ces séances duraient des heures et offraient du divertissement aux enfants ainsi qu’un moment de détente à leurs parents. Pour beaucoup d’enfants, aller au cinéma au milieu du XXe siècle rimait avec aller à une séance en matinée.

Warner Bros. avait Bugs Bunny, Disney avait Mickey Mouse, MGM avait Tom et Jerry, et Paramount avait Popeye. Ces quatre studios produisaient des courts métrages d’animation de six à huit minutes destinés au grand public, tous âges confondus, diffusés aussi bien en séance de jour qu’en soirée, et pas seulement lors des matinées pour enfants. Ce n’est qu’à la fin des années 1950 que la production de dessins animés destinés au cinéma a pris fin. Les studios ont alors préféré céder les droits de leurs catalogues à la télévision.

En 1957, les studios Filmack de Chicago ont sorti « Let’s All Go to the Lobby », un court-métrage d’animation dans lequel une troupe de snacks animés, défilant en formation, invitait les spectateurs à se rendre au stand de confiseries pendant l’entracte. Il a été réalisé par Dave Fleischer, l’animateur à l’origine de ces premiers clips musicaux mettant en scène des balles rebondissantes. Alors que la télévision grignotait peu à peu les ventes de billets, les cinémas comptaient de plus en plus sur les recettes générées par la vente de snacks. En 2000, ce court-métrage a été sélectionné pour être conservé au Registre national du film de la Bibliothèque du Congrès.

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