20 danses qui ont autrefois scandalisé la société

Le charleston est né dans les quartiers noirs de Charleston, en Caroline du Sud, et à Harlem. Caractérisé par des mouvements rapides des jambes et des balancements des bras, il est devenu la danse emblématique des « années folles » lorsque la revue musicale noire Runnin’ Wild, créée en 1923, l’a fait découvrir à un large public. Les mouvements étaient si vigoureux que les autorités locales l’ont interdit, invoquant les violentes vibrations du sol, qui faisaient craindre que les bâtiments ne s’effondrent. Elles craignaient également que les danseurs ne se foulent les tibias en essayant de suivre le rythme.

Dansé en étreinte étroite, le tango argentin est né dans les quartiers populaires et les maisons closes de Buenos Aires et de Montevideo à la fin du XIXe siècle. Cette danse a fait son apparition à Paris vers 1910, où elle a déclenché un véritable engouement international. Plus tard, un journaliste parisien a inventé une histoire selon laquelle le pape Pie X aurait assisté en secret à un spectacle de tango, avant de l’interdire. Les historiens affirment que le pape ne l’a jamais vu. Des interdictions régionales ont toutefois bel et bien existé, lorsqu’elles ont été prononcées par des évêques catholiques locaux.

Le Lindy Hop a été créé par des danseurs afro-américains au Savoy Ballroom, à Harlem, à la fin des années 1920. Ce style allie le charleston à une forme de danse en couple plus ouverte, dite « breakaway ». En juin 1928, un danseur surnommé « Shorty George » Snowden a inventé ce nom alors qu’il participait à un concours de danse marathon au Manhattan Casino de Harlem. Il venait d’entendre parler du vol transatlantique de Charles Lindbergh en 1927. Le danseur Frankie Manning a introduit des portés acrobatiques et des sauts périlleux dans cette danse, en faisant l’un des styles de swing les plus exigeants physiquement.

Le can-can n’a pas toujours été un spectacle de cabaret sophistiqué. Auparavant, le can-can était une danse de loisir très populaire auprès du grand public. Il a vu le jour dans les salles de danse parisiennes populaires dans les années 1830, sous la forme d’une variante endiablée du dernier pas de la quadrille, une danse de société collective. Les danseuses effectuaient des coups de pied en l’air, soulevaient leurs jupons et faisaient des roues, au grand dam des moralistes. Ce sont les cabarets parisiens, tels que le Moulin Rouge, qui l’ont réinventé en 1889 pour en faire un spectacle chorégraphié, mettant en vedette une danseuse vedette nommée La Goulue.

Les esclaves des plantations du Sud ont inventé le « Cake Walk », une procession solennelle faite de pas exagérément assurés, de cambrures du dos et de révérences, qui se moquait des manières guindées des propriétaires de plantations blancs qui les observaient. Ne se rendant pas compte du caractère satirique de cette danse, ceux-ci remettaient des prix aux couples gagnants, généralement un gâteau richement glacé. C’est ainsi qu’est née l’expression « takes the cake ». Elle fit son apparition à Broadway en 1898 dans la comédie musicale Clorindy, un succès qui contribua à diffuser cette danse à travers le monde dès 1900.

La valse est une danse de couple qui s’effectue en tournant sur soi-même, sur un rythme à 3/4. Elle est issue des danses folkloriques rurales d’Autriche et de Bavière à la fin du XVIIIe siècle, et s’est rapidement répandue à travers l’Europe, supplantant les danses de groupe plus formelles, distantes et rigides, les partenaires étant désormais enlacés dans une étreinte intime qui engage tout le corps. Au XIXe siècle, un guide des bonnes manières rédigé par l’écrivaine Elisabeth Celnart conseillait aux jeunes filles célibataires d’éviter la valse en raison de la proximité jugée inappropriée qu’elle impliquait. Cela n’a toutefois pas suffi à les empêcher de la danser, et la valse est devenue la danse de salon par excellence de ce siècle.

Vers 1910, le « Turkey Trot » était une danse de couple de style ragtime consistant à faire des pas de côté sautillés et à agiter les bras au rythme effréné du ragtime. En 1912, une maison d’édition de Philadelphie a licencié 15 employées pour avoir pratiqué le « Turkey Trot » pendant leur pause déjeuner. Un an plus tard, les journaux ont rapporté que le président Woodrow Wilson avait annulé son bal d’investiture parce qu’il craignait cette danse. Wilson a qualifié cette histoire de « ridicule ». Sa raison, expliqua-t-il, était que l’événement coûtait trop cher et perturberait le travail de 2 000 employés de l’administration.

Le mambo était une danse afro-cubaine de big band née à Cuba à la fin des années 1930 et dans les années 1940, puis popularisée dans le monde entier par le chef d’orchestre Pérez Prado, le « roi du mambo ». Entre 1950 et 1955, la salle de bal Palladium de New York fut le point de départ de ce que les fans surnommèrent la « Mambo Mania », où un public métissé dansait ensemble sur la même piste, alors que la ségrégation était encore de mise dans la plupart des autres lieux publics. Parmi les danseurs emblématiques du Palladium figuraient Pedro « Cuban Pete » Aguilar et Millie Donay.

Le « Lambeth Walk » était une danse originale, caractérisée par une démarche assurée et des mouvements de bras, qui s’inspirait largement de l’attitude arrogante des cockneys dans la rue, avec notamment le pouce levé et le cri « Oi ». C’est l’acteur Lupino Lane qui l’a présentée pour la première fois en 1937 dans la comédie musicale londonienne Me and My Girl, avant que les salles de danse britanniques et américaines ne l’adoptent. Charles A. Ridley, monteur au ministère britannique de l’Information, l’a remonté en 1942 pour donner l’impression qu’Hitler et ses nazis en marche l’exécutaient, ce qui aurait provoqué la fureur du ministre nazi de la Propagande, Joseph Goebbels.

La polka était une danse de couple rapide, composée de demi-pas et de sauts, originaire de Bohême dans les années 1830. La légende raconte que ce pas aurait été improvisé par Anna Slezakova, une servante bohémienne, mais il s’agit là d’une anecdote populaire et non d’un fait historique. Elle fut introduite dans les salles de danse parisiennes en 1840 par un maître de danse tchèque, déclenchant un engouement qui balaya l’Europe et l’Amérique et inspira un tel essor commercial que le tissu orné de petits cercles fut rebaptisé « à pois ».

À l’origine un défilé de carnaval afro-cubain, la conga se caractérise par un rythme de marche marqué et régulier, ainsi que par un battement de pied distinctif et caractéristique. Le chef d’orchestre d’origine cubaine Desi Arnaz a introduit cette danse dans les boîtes de nuit de Miami et de New York en 1937, en alignant les danseurs en file indienne, chacun tenant la taille ou les épaules de la personne qui le précède. Dans ses spectacles à la discothèque La Conga de Manhattan, cette file de danseurs est devenue un élément incontournable des festivités : une danse ludique qui ne nécessite aucune initiation et qui est encore pratiquée aujourd’hui lors des mariages.

Enrique Jorrin, compositeur et violoniste cubain à la tête de l’Orquesta América, constata que les danseurs avaient du mal à suivre les rythmes rapides et syncopés du mambo ; c’est ainsi qu’en 1953, il créa le cha-cha-cha. Avec ses mélodies simples, chacun des trois pas de la technique du cha-cha-cha coïncidait parfaitement avec le tempo. Son premier 45 tours, « La Engañadora », connut un succès fulgurant en Amérique du Nord et en Europe l’année suivante, et le cha-cha devint dès lors l’un des piliers des salles de danse et des bals de lycée.

Le « shimmy » consistait à maintenir le bas du corps pratiquement immobile tandis que les épaules vibraient très rapidement d’avant en arrière ; il a vu le jour dans les établissements afro-américains et les spectacles de cabaret à la fin des années 1910. Il a été popularisé par Gilda Gray dans les « Ziegfeld Follies » et est devenu un véritable engouement dans les salles de danse à l’époque de la Prohibition. L’histoire raconte que Gilda Gray aurait inventé le terme en déclarant : « Je secoue ma chemise », bien que ce terme fût déjà utilisé dans le langage afro-américain avant qu’elle ne s’en attribue la paternité. De nombreuses salles de bal affichaient des panneaux « Interdit de faire le shimmy », mais les flappers n’en tenaient pas compte.

On dit que le « Black Bottom » serait né au sein des communautés noires du Sud au début des années 1900, ses racines se situant à la fois à Atlanta et à La Nouvelle-Orléans. Cette danse consistait à taper des pieds, à remuer les hanches et à se donner des claques sur les fesses. Le Black Bottom a été popularisé par le compositeur Perry Bradford et le professeur de danse Billy Pierce. Il est devenu un véritable phénomène national lorsque la danseuse de Broadway Ann Pennington l’a interprété dans le spectacle George White’s Scandals en août 1926. À un moment donné, il a même dépassé le charleston en tant que danse la plus populaire dans les salles de danse américaines.

La rumba de salon est issue du « son » cubain et de la tradition folklorique afro-cubaine connue sous le nom de « rumba ». Elle s’est d’abord répandue en Amérique du Nord et en Europe après l’enregistrement, en 1930, du tube « The Peanut Vendor » par le chef d’orchestre cubain Don Azpiazu et son orchestre. Elle se danse sur un rythme « lent-vite-vite », mais elle a également permis aux danseurs de découvrir pour la première fois les mouvements cubains, qui consistent à balancer les hanches tout en fléchissant et en tendant les genoux, un mouvement qui n’était pas utilisé auparavant dans la danse de salon. Pendant la Grande Dépression, les écoles de danse l’ont présentée comme une « danse d’amour » romantique.

À l’origine, « jitterbug » était un terme d’argot de Harlem désignant « un ivrogne », jusqu’à ce que le tube « Jitterbug » du chef d’orchestre Cab Calloway, sorti en 1934, lui donne un nouveau souffle en tant que surnom attribué aux danseurs au swing endiablé. Très vite, le jitterbug est devenu le terme générique désignant une forme de Lindy Hop aux accents américains, très énergique et hautement stylisée, caractérisée par des pas rapides, des pirouettes élaborées et des « dips ». De 1942 à 1945, les militaires américains l’ont dansé dans les bases militaires et les salles de danse à travers l’Europe et le Pacifique. Les militaires américains l’ont transmis de base en base, et les salles de danse d’Europe et du Pacifique l’ont à leur tour adopté.

Une danse populaire appelée « The Grizzly Bear » est apparue vers 1910. On la dansait dans les salles de danse de la côte Pacifique sur du ragtime, une musique rapide et syncopée. Les danseurs se serraient les uns contre les autres et se balançaient vigoureusement d’avant en arrière, imitant un grizzli. En 1910, l’humoriste et artiste de vaudeville Fanny Brice interpréta « The Grizzly Bear » sur scène, et la même année, le compositeur George Botsford l’immorta dans une partition. Les salles de danse tentèrent d’empêcher les jeunes couples de danser « The Grizzly Bear » en affichant des panneaux « Interdit de s’étreindre comme des ours ».

Vernon et Irene Castle, un couple de danseurs de spectacle, ont popularisé cette danse sous le nom de « Castle Walk » dans la comédie musicale de Broadway d’Irving Berlin de 1914, Watch Your Step, accompagnée d’orchestrations syncopées du chef d’orchestre de ragtime noir James Reese Europe. Ce one-step fluide se dansait sur la pointe des pieds, abandonnant les sautillements et les mouvements de torse de ses prédécesseurs issus des danses animales au profit de foulées nettes, semblables à celles d’une marche. Les Castle étaient de véritables icônes de style à l’échelle nationale : ils ont ouvert des écoles de danse et contribué à rendre la coupe au carré tendance chez les femmes.

L’artiste de vaudeville Harry Fox a inventé le fox-trot en 1914 alors qu’il se produisait dans un théâtre installé sur un toit à New York. Fox l’interprétait comme une succession de pas rapides, alternant avec des pas lents, sur un tempo de 4/4. La transition fluide entre les pas lents et rapides, sa capacité à s’adapter à des musiques de presque n’importe quel tempo, ainsi que ses exigences physiques moindres par rapport aux danses de trot animales, saccadées et épuisantes, en ont fait un incontournable des programmes de cours de danse. Dans les années 1920, les fédérations britanniques de danse l’ont codifié pour en faire la forme plus lente et plus fluide que nous connaissons aujourd’hui.

Dans cette danse appelée « Big Apple », un meneur annonce les pas que tout le monde exécute en cercle ou individuellement au centre. En 1936, des jeunes Noirs de Columbia, en Caroline du Sud, ont pratiqué cette danse dans un club appartenant à un animateur local nommé Frank « Fat Sam » Boyd. Ce dernier avait transformé une ancienne synagogue en salle de danse. Des étudiants blancs de l’université de Caroline du Sud ont observé les danseurs depuis le balcon situé au-dessus et ont commencé à enseigner cette danse aux étudiants de leurs propres universités. Le magazine Life a qualifié l’année 1937 d’« année de la Big Apple ».

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